SALA 30: PINTURA AMERICANA

 

SALA 30

PINTURA AMERICANA

RETRATO AMERICANO DEL XIX

Sigue la corriente de la línea inglesa: líneas ondulantes en ropajes y objetos. Se retrata una sociedad burguesa austera. Pasó dos años en Londres y se dejó influir por el retrato inglés.

CHARLES WILLSON PEALE

Queens Ann's County, 1741 – Filadelfia, 1827

Es el introductor en Estados Unidos del retrato de grupo, o conversation piece, adaptando el modelo inglés al gusto americano, con un formato mayor (tenían grandes mansiones) y un carácter informal.

Retrato de Isabella y John Stewart. h. 1773 – 74. Ó/l.

Son los hijos, suntuosamente vestidos, del dueño de una plantación de Maryland. A la derecha aparece un cardo, símbolo de Escocia, origen de la familia. Contrarios al independentismo, huyeron un año después a Canadá y después a Inglaterra. Uno de los temas favoritos del autor: la armonía doméstica. Sigue la tradición de la pintura galante: sitúa a los niños en un paisaje (la plantación de su padre en Maryland). Posibles connotaciones bíblicas.

JOHN SINGLETON COPLEY

Boston, 1738 – Londres, 1815

El retrato fue el género primordial de la América colonial, y Copley fue el principal retratista de Boston. También fue el pintos de moda en Londres.

Retrato del juez Martin Howard. 1767. Ó/l.

Personaje impopular que llegó a sufrir el ataque de su casa tras una revuelta, por lo que tuvo que huir a Inglaterra.

Tipo del retrato oficial inglés del XVIII: figura realzada por la toga de jefe de justicia de Carolina del Norte, de un exuberante rojo con ricos plegados destacando sobre los terciopelos azulados de la silla.

Retrato de Catherine Hill, mujer de Joshua Hensahw II. H. 1772. Ó/l.

Fuerte iluminación del rostro de la modelo, en primer plano, con actitud distinguida. Sigue el modelo inglés. Transmite la psicología a través de la mirada penetrante dirigida al espectador. Fondo oscuro. Texturas de las ropas y joyas.

CÍRCULO DE SIR JOSHUA REYNOLDS

Retrato de un hombre de la isla de Dominica. H. 1770 -1780

Es un cuadro misterioso del que se desconocen la intención, el retrato y el pintor.

Es un típico retrato inglés. El autor podría ser sir Johsua Reynols, primer presidente de la Royas Academy de Londres, pero la extraña identidad del retratado, posiblemente un esclavo negro de las colonias americanas, dificultan esta atribución. A su favor está la calidad de la pintura, el propósito de plasmar los reflejos de la luz en la casaca de seda que viste.

Parece el retrato de un cocinero, pero ese tipo de tocado no aparecen en los chefs de cocina hasta 1820.

JAMES GOODWYN CLONNEY

Liverpool, 1812 – Binghampton, 1867

El representante de la primera generación de pintores costumbristas americanos y cronista de la vida rural en la primera mitad el XIX.

Pesca en el estrecho de Long Island a la altura de New Rochelle. 1847. Ó/l.

Escena costumbristas con técnica próxima al luminismo. Compagina el orden y la serenidad clásica con los temas rurales.

Los tres personajes ( hombre maduro con sombrero de copa, un muchacho semicaricaturizado y un joven negro en pose de fauno antiguo) están sometidos a tres líneas de fuerza contrarias: la caña, el cabo del ancla y el sedal. Cierto humor y un tono un tanto grotesco, atemperado por el tratamiento minucioso del fondo impregnado de luz dorada.

CHARLES FERDINAND WIMAR

Siegburg, 1828 – San Luis, 1862

Nació en Alemania y llego a América a los 15 años. Es el pintor del Lejano Oeste americano. Comenzó a hacerlo durante su formación en Alemania, cuando aún no conocía las lejanas tierras. A su vuelta a EEUU en 1856 hizo un viaje a lo largo del Missouri hasta Yellowstone y conoció en persona las tribus indias que protagonizan sus cuadros.

El rastro perdido. H. 1856. Ó/l.

Pintó este cuadro cuando aún no había viajado al Oeste. Muestra a unos indios desterrados, errantes por una tierra que ya no es suya. Persoanjes estereotipados por sus contemporáneos y romantizados por Europa. Escasa fiabilidad etnográfica. Se inspira en otros pintores y en la literatura (Fenimore Cooper). Composición muy estudiada según el ejemplo de su maestra Leutze: composición a base de diagonales.

FREDERIC REMINGTON

Canton, 1861 – Ridgefield, 1909

Viajó por el Oeste en busca de un paisaje soñado que no encontró. Por eso se dedicó a pintarlo con grandes dosis de fantasía y contribuyó a la conversión del Oeste en mito.

Señal de fuego apache, h. 1904. Ó/l.

Sus cuadros a partir de 1909 muestran una fascinación por la luz de las hogueras. En este período, culminación de su carrera, se hizo más sencillo y menos anecdótico.

Reducida paleta de verdes grisáceos y marrones, iluminados sólo por los toques naranjas de la hoguera. Crea un aire de misterio. El indio y su caballo son formas espectrales salidas de la memoria y la imaginación.

Kauffmann

 

ANGELICA KAUFFMANN

Chur (Graubünden), 1741 – Roma, 1807

La suiza Kauffmann fue una artista produgio que destacó por sus dotes para el dibujo. Se formó con su padre y antes de los 15 años ya pintaba retratos..A su llegada a Roma comienza la pintura histórica, género vetado a las mujeres. En 1766 aceptó la invitación de trasladarse a Londres, en aquel momento el segundo gran centro del Neoclasimismo, después de Roma, donde gozó de fama como retratista y se convirtió en miembro fundadora de la Royal Academy. A su regreso a Roma se convirtió en una de las artistas más célebres del momento. Admiradora y seguidora de Reynolds.

Retrato de una mujer como una vestal. Ö/l.

Es un ejemplo de la tipología del retrato de la época.

:

• El personaje es representado en un momento de inspiración clásica: sacrificio a Minerva, en este caso.

• La diosa aparece en segundo plano en forma de escultura con sus atributos: casco y escudo.

• Decoración floral y una serpiente al pie del ara.

• Últimos plano abocetados con pincelada diluida.

• Ejecución muy acaba en la figura, especialmente en el rostro.

RETRATO INGLÉS

 

THOMAS GAINSBOROUGH

Sudbury, 1727 – Londres, 1788

Influencias de Watteau, la escuela flamenca y Van Dyck. Comenzó como retratista y paisajista. Fue miembro de la Royal Academy of Arts y pintó para Jorge III. Es uno de los pintores más importantes de Inglaterra.

Sus retratos se caracterizan por la noble y refinada elegancia de sus figuras, el encanto poético, el predominio de colores fríos (verdes y azules) y una pincelada suelta, delgada y larga. Melancolía lograda a través de una luz tenue como en los paisajes flamencos del XVII. Frecuentemente sitúa a sus personajes al aire libre, con lo que fusiona los dos géneros.

Retrato de Sarah Buxton. H. 1776-77. Ó/l.

THOMAS LAWRENCE

Bristol, 1769 – Londres, 1830

De formación autodidacta, mantenía a su familia dibujando retratos de los clientes de la taberna de su padre. Llegó a ser presidente de la Royal Academy.

Es el gran retratista de la escuela inglesa del XIX, puente entre dos siglos. Sus retratos parten de Reynolds. Lo caracterizan la idealización de las figuras y la calidad de las distinción y elegancia por texturas.

Retrato de David Lyon. H. 1825. Ó/l.

En un entorno natural, la figura tiene un aire de la pose y la indumentaria. Potencia de la mirada, romanticismo del cabello.

JOHAN ZOFFANY

Frankfurt, 1733 – Strand-on-the-Green, 1810

Su especialidad eran las pequeñas escenas donde un grupo conversa. También escenas de representaciones teatrales.

Retrato de Ann Brown en el papel de Miranda. 1770. Ó/l.

Realismo. Estética barroca con elementos clasicista. Teatralidad, predomina lo decorativo.

RETRATO

 

JEAN – MARC NATTIER

París, 1685 -1766

Sus padres y su abuelo eran pintores. Estudió en la Académie Royale, donde finalmente entró en 1717 como pintor de historia. Muy popular a partir de 1730 con una fórmula derivada del retrato de disfraz del XVII:

• Idealización del modelo sin perder el parecido

• Modelos disfrazados de divinidades o figuras alegóricas con sus atributos.

• Delicadeza y sensibilidad.

• Gamas cromáticas armónicas y transparentes.

Se especializó en retratos alegóricos, casi siempre femeninos. Pintó para la familia real.

Retrato de Madame Bouret como Diana. 1745. Ó/l.

Entorno natural con colores fríos; pocos elementos, destaca el cielo. Figura sentada y de frente; señala con el dedo algo fuera del cuadro. Arco carcaj y piel de leopardos atributos de la diosa Diana. Mirada soñadora y dulce.

Estructura en dos diagonales de origen barroco. Desplaza el eje de izquierda a derecha. Carnaciones lancas satinadas.

GEORGES DESMARÉES

Gimo (Suecia), 1697 – Múnich, 1776

Desarrolla su carrera en Alemania. A partir de 1750 acusa la influencia del Rococó y su claroscuro veneciano característico va dejando una paleta más brillante. Es el pintor más destacado del Rococó alemán.

Retrato de Franz Carl von Soyer. 1750. Ó/l.

Retrato de María Rosa Walburga von Soyer. 1750. Ó/l.

Representación tradicional de un matrimonio, aunque la mujer presenta una frontalidad casi total.

Fondo oscuro, de esterior (ramas) con pincelada diluida que contrasta con la de las figuras. Corrección en los rostros y ligereza en las telas, de gran calidad. Sufre la influencia de la pintura al pastes puesta de moda en el momento.

Vernet

 

CLAUDE-JOSEPT VERNET

Aviñón, 1714 – París, 1789

Se forma primero con su padre y luego en la Academia de Francia en Roma. Muy solicitado por los viajeros del Gran Tour y algunos aristócratas (Isabel de Farnesio). A su vuelta a Francia trabajó para Luis XV en una serie de vistas de puertos que dejó sin terminar. Sus temas preferidos fueron los paisajes italianizantes (frecuentemente imaginarios), puertos y tormentas marinas (parejas de “mar en calma”, “mar encrespado”. Influenciado por Claudio de la Lorena.

Mar tempestuoso. 1748. Ó/l.

Mar en calma. 1748. Ó/l.

Protagonismo del cielo: descripción de los efectos atmosféricos, ráfagas de agua y viento, brumas del atardecer (evoca el clasicismo del XVII). Las figuras no accesorias sino que aportan dramatismo a la escena o muestran la relajación de los grupos de pescadores. Observación del natural, cromatismo y pinceladas suaves, decorativismo.

Noche: escena de la costa mediterránea con pescadores y barcas. 1753. Ó/l.

No es un lugar real, sino una evocación de la costa italiana. Oscuridad aterciopelada animada por tres fuentes de luz: la cálida de la fogata, la antorcha de la embarcación de pesca y la fría luz de la luna llena.

Estilo italiano, libre y atrevido. Formaba parte de una serie con distintas horas del día: mañana, mediodía, tarde, noche. Contribuyó a desarrollar la sensibilidad del público hacia la naturaleza y los efectos de la luz, meteorología y paisaje.

→ Exposición “Claudio de la Lorena y el ideal clásico del paisaje” en El Prado.

H. Robert

 

HUBERT ROBERT

París, 1733 – 1808

Durante su larga estancia en Italia dibujó muchos edificios clásicos y ruinas que luego utilizó en sus cuadros (Robert des Ruines). Son un reflejo del interés de cierta sociedad francesa de la época.

Recoge junto con Fragonard (eran amigos) la técnica de Halls.

Interior del tempo de Diana en Nîmes. Ó/l.

Punto de vista alto. Las ruinas se ven animadas por personajes característicos: el dibujante, figuras con túnicas que parecen escenificar algo.

La pasarela. h. 1775. Ó/l.

Conjunto de vistas de jardines, otro de los temas de su repertorio. Motivo recurrente del artista pintando. Colorido suave de azules, grises y verdes salpicados de diminutos toques de tierra.

Guardia Cívica. H. 1780/1785. Ó/t.

Obra atípica del autor, conocido como paisajista (vistas francesas y caprichos italianos), es inusual que incluyera personajes con la ropa de la época. En este caso visten ropas de hacia 1630. El tema parece ser (por el otro título de cuadro: La llegada de los emisarios) la notificación de un desastre militar.

→ El abad Saint – Non (protector de artistas)

→ Vista del Louvre

→ El Coliseo, en El Prado.

FRAGONARD

 

JEAN-HONORÉ FRAGONARD

Grasse, 1732 – París, 1806

El columpio. h. 1750 – 1752. Ó/l.

Etapa temprana, aprendiz de Boucher. Después de su paso por Italia evoluciona hacia un mayor deoorativismo. Presenta ya sus características personales: tema, enfoque circunscrito, amor a la naturaleza, movimiento y gestos, color luminoso y forma de aplicarlo, dinamismo, vitalidad, juego de diagonales, pincelada fluida

→ Ver otras versiones.

→ Ver paisajes.

→ Greuce

→ Vigee Lebrun

Estos dos últimos son protagonistas del cambio hacia el XIX.

BOUCHER

 

FRANÇOIS BOUCHER

París, 1703 – 1770

Pintor y grabador, es quien mejor entendió y conoció a W.. Grabó toda su obra. Su estilo es el Rococó, lleno de la delicadeza que W. Supo oponer al Barroco del Grand Siècle.

Watteau, Boucher y Fragonard son los tres eslabones de la cadena del arte francés del XVIII.

Boucher es el más dibujístico y el más rococó (gracia, alegría, ligereza, intimidad, picardía, sensualidad, temas intrascendentes): “peintre de culs et seins”.

Lo caracterizan los cuerpos femeninos de jóvenes con carnaciones claras y prietas.

→ desnudos femeninos, escenas eróticas.

→ El triunfo de Venus, Museo de Estocolmo

→ Diana saliendo del baño.

Cromatismo de verdes y azules repentinamente rotos con un rojo en un personaje anecdótico.

Pintó también escenas de género de tradición holandesa, pero con mayor erotismo, aunque siempre con delicadeza y mucha calidad.

“Chinerías” para las porcelanas de Sèvres y escenas para la fábrica de tapices de los Gobelinos. Cultivó todos los géneros.

La toilette. 1742. Ó/l.

Es todo un acto de voyeurismo. El interior adquiere calidad de documento de cómo vivían las clases acomodadas. Al la actitud descocada de la protagonista y el ambiente desordenado se añade el juego del gato con el ovillo.

Paisaje fluvial con ruina y puente. 1762. Ó/l.

Pareja de paisajes irreales, convencionales del género pastoral:el pintor sitúa en lo que toma del natural lo que su imaginación o su capricho le dicten. Es el “petit goût”, considerado la decadencia de la pintura francesa.

El conjunto del paisaje y los personajes típicos del género bucólico está iluminado por una luz muy fuerte desde la izquierda que acentúa la artificialidad.

Paisaje fluvial con tempo antiguo. 1762. Ó/l.

LANCRET

 

NICOLAS LANCRET

París, 1690 – 1743

Se forma con Guillot y su modelo fue siempre Watteau. Pero sus escenas son más alegres, con colores más vivos, más mundanas y concretas, sin el halo de misterio de W. Su repertorio de escenas es muy variado. Cobra independencia por el recurso del color: se hacen característicos suyos los llamativos amarillos pastel y los rojos amapola. Explora nuevos temas, como los retratos tratados como escenas de género, en el que fue el pintor más importante. Pintó para Luis XV y para Federico el Grande. Fue una referencia para Boucher.

La tierra.Ó/l.

Forma parte de la serie de los cuatro elementos, muy popular en la época, pintados por diversos artistas.

Suave cromatismo de amarillos en contraste con azules y acorde con la delicadeza de los gestos, que no llegan a transmitir la fragilidad de los de W.

El columpio. h. 1735 – 1740. Ó/l.

Organiza el cuadro en torno a los tres árboles que dan profundidad, alrededor de los cuales se sitúan los grupos de personas. Cromatismo suave de grises, verdes y azules rotos por toques cálidos.

Francia. Siglo XVIII

 

FRANCIA SIGLO XVIII

El Barroco francés finaliza con el reinado de Luis XIV (1638-1715). A su muerte cambian las pretensiones políticas de sus sucesores (el regente duque de Orleans y Luis XV) y las dinámicas de la corte. Se busca ahora una vida más relajada y la cultura se hace más decorativa. Se ponen de moda los “petit apartements”, que requerirán cuadros de formato más pequeño.

Los principales pintores del momento son:

• Watteau

• Boucher

• Fragonard

• Pater

• Lancret

JEAN ANTOINE WATTEAU

Valenciennes, 1684 – Nogent-sur-Marne, 1721

Hijo de un pastelero, enfermizo e introvertido, no tuvo apoyo familiar

Se formó con el grabador y escenógrafo Gillot, que lo mailiarizó con los personajes de la Commedia dell'Arte, y con Audran. A su muerte su obra se difundió mediante grabados. Toma el paisaje del último Rubens al que añade el flamenco de Van Dyck. Es un refugio para las figuras.

Es el iniciador de la “pintura galante” cuyas características son:

• pequeño formato

• color brillante

• temas amables.

Es el pintor de lo efímero y lo melancólico. Sus obras son oscuras y tienen un ambiente misterioso. Figuras pequeñas e inestables

El descanso. H. 1709. Ó/l.

En sus inicios pintó sobre el tema de los soldados, como en este caso. Ell ambiente militar queda relegado al fondo y el centro lo ocupan dos damas elegantes en medio de los grupos de soldados.

Pierrot contento. H. 1712. Ó/l.

→ El embarque para Citerea

→ Autorretrato

→ Watteau en El Prado

→ Pater

Ricci - Foschi

 

MARCO RICCI

Belluno, 1676 – Venecia, 1730

Paisaje con tormenta. 1701. Ó/l.

Abrió nuevas perspectivas en el género de paisaje y es el creador e innovador de la escuela véneta. Aparece el tema de los agentes meteorológicos y los peligros de los viajeros. Estudio de las ráfagas de lluvia y viento.

FRANCESCO FOSCHI

Ancona, 1710 – Roma, 1780

Paisaje invernal con figuras. 1750 – 1780. Ó/l.

Reducida gama cromática: blancos, escala de grises y unos pocos marrones y ocres. Técnica pulcra con excelentes efectos en el celaje, las copas de los árboles, las hierbas y los troncos.

Paisaje invernal con una familia de campesinos. 1750 – 1780. Ó/l.

CRESPI

 

GIUSEPPE MARIA CRESPI

Bolonia, 1665 – 1747

El artista más sobresaliente de la escuela boloñesa del último Barroco. Lo más interesante de su producción es la pintura de género.

Interior con familia de campesinos. H. 1709. Ó/c.

Campesinos con asnos. 1709. Ó/c.

Pinturas costumbristas inspiradas por su estancia en Florencia, en la corte de Fernando de Médicis, donde estudió la obra de los bamboccianti, precedente de este tipo de pintura.

Visión desprejuiciada de la gente humilde, sin altivez ni intención de satirizar.

Retrato del conde Fulvio Grati. H. 1720 – 1723. Ó/l.

El repertorio de objetos transmite la afición del conde a la música. En el ángulo inferior izquierdo ha representado un bodegón (género en el que era maestro). Fuerte claroscuro que destaca la figura principal.

PINTURA ITALIANA SIGLO XVIII

 

Sala 22

ITALIA S. XVIII

Durante el siglo XVIII es Francia quien marca la pauta estética en Europa.

Italia, de tan esplendoroso pasado, se ve obligada a conjugar la demanda de arte que procede de los viajeros del Grand Tour, que llegan acostumbrados a gustos franceses, con su tradición barroca, que se resiste a abandonar. El público italiano, por su parte, es culto y exigente y prefiere los temas históricos y literarios.

Todo ello produce un peculiar estilo dieciochesco en Italia. Los pintores italianos prolongan el clasicismo y evolucionan muy lentamente hacia el Rococó, más superficial.

LAS VEDUTAS

Dos centros: Roma y Nápoles.

La veduta procede de la escenografía y responden a dos tipos:

• Exacta, más realista

• Capricho, mezcla arbitrariamente elementos paisajísticos distintos.

Se hacen catálogos de grabados.

→ Batoni. Pinta retratos de aristócratas ricamente vestidos. Son elegantes y teatrales. Hay dos en El Prado.

→ Guarni

→ Canaletto

→ Joli, vedutista español

→ Battaglioli, también español.

→ Colección de vedutas napolitanas en El Prado

→ Exposición del Grand Tour en Thyssen-Bornimisza

GIOVANNI PAOLO PANINI

Piacenza, 1691 – Roma, 1765

La expulsión de los mercaderes del templo. 1724. Ó/l.

La piscina probática. H 1724. Ó/l.

Pareja de paisajes religiosos procedentes del Nuevo Testamento. Cristo viste en ambos colores que destacan su figura.

Aspecto de escenografía teatral, con figuras pequeñas en pequeños grupos. Predominio de la arquitectura. Profundidad.

GIACOMO CERUTI (LLAMADO “IL PITTOCCHETTO”)

Milán, 1698 – 1767

Retrato de un hombre. H. 1740 – 1742. Ó/l.

Retrato de una mujer. H. 1740 -1742. Ó/l.

Pinto retratos tanto de familias influyentes como otros de carácter más popular, pero siempre sin hacer concesiones al idealismo, con espontaneidad. Telas corrientes (no sedas), colores pálidos que resaltan las figuras. El realismo es propio del norte de Italia.

En el hombre destaca la figura informal y despreocupada, con el chaleco abierto, con la mano dentro de la ropa. El rostro relajado.

La mujer tiene las manos en una posición más elegante, pero tiene una mirada fría y también una indumentaria informal, propia del ámbito doméstico.

Más apreciados que sus retratos fueron los cuadros de mendigos e indigentes representados con dignidad y realismo. Son cuadros de denuncia social y sentido moral. Parece que fueron pintados por encargos particulares.

Grupo de mendigos. H. 1737. Ó/l.

La inestabilidad de las figuras parece sugerir su inestabilidad social.Reducida gama de colores con predominio de marrones, ocres y pardos, que contribuye al verismo del cuadro. Es una de sus obras maestras, ejemplo del humanismo con trató estos asuntos.